Wenn ein Foto noch
nach dem Moment aussehen soll

Die Beziehung zum eigenen Bild

Nicht nur attraktiv. Sondern vertraut.

Eine gute Bearbeitung soll nicht einfach nur ein eindrucksvolles Bild erzeugen. Sie sollte möglichst viel von der Beziehung erhalten, die zu diesem Moment gehört.

Wie war das Licht? Wie sah die Haut eines Menschen aus? Welche Farben hatte der Abend? War das Licht wirklich tiefrot – oder war es dieses besondere Gemisch aus Gelb, Gold und Orange, das man noch Jahre später mit diesem Abend verbindet?

Ein Foto kann technisch perfekt und sehr eindrucksvoll bearbeitet sein und trotzdem das Gefühl auslösen: Irgendetwas daran fühlt sich nicht mehr nach diesem Tag an.

Farbe ist nicht alles

Ein Bild soll nicht nur wie eine Oberfläche wirken, sondern wie ein Raum.

Bei meinen eigenen Vergleichen ist mir etwas aufgefallen, das schwerer in Worte zu fassen ist als ein falscher Rot- oder Gelbton: Manche Bearbeitungen wirken farblich interessant, lassen das Bild aber gleichzeitig flacher erscheinen.

Vordergrund, Personen und Hintergrund scheinen weniger klar voneinander getrennt. Unterschiedliche Lichtflächen rücken näher zusammen. Feine Abstufungen zwischen warmen und kühleren Bereichen verschwinden. Das Bild besitzt dann noch Formen und Farben, aber weniger räumliche Staffelung.

Mit einer passenderen Ausgangsbasis kann genau das Gegenteil passieren: Ein Gesicht hebt sich natürlicher vom Hintergrund ab. Gold, Orange, Haut und Schatten liegen nicht wie eine einheitliche Farbschicht auf dem Foto, sondern bilden unterschiedliche Ebenen.

Natürlich entsteht Dreidimensionalität nicht allein durch ein Kameraprofil. Lichtführung, Perspektive, Objektiv, Schärfentiefe und Kontrast spielen ebenfalls eine große Rolle. Aber die Art, wie Farben und Tonwerte voneinander getrennt werden, kann diese räumliche Wirkung erhalten oder abschwächen.

Der Anfang der Bearbeitung

Erst die richtige Grundlage. Dann verfeinern.

Bei einer RAW-Datei gibt es zunächst kein vollkommen fertiges Bild. Die Kamera hat sehr viele Informationen aufgezeichnet, die anschließend interpretiert werden müssen. Dabei spielen unter anderem das Kameraprofil und der Weißabgleich eine wichtige Rolle.

Vereinfacht gesagt bestimmt das Profil mit, wie Farben dargestellt und voneinander getrennt werden. Der Weißabgleich beeinflusst anschließend, wie warm oder kühl das Licht erscheint.

Wenn die Ausgangsbasis nicht zum tatsächlichen Licht passt, versucht man später möglicherweise mit immer mehr Reglern etwas zu korrigieren, das man viel früher hätte lösen können. Aus einem goldenen Abendlicht wird zu viel Rot. Rot wird reduziert, danach verändert sich vielleicht die Haut. Anschließend wird Orange korrigiert – und ein anderer Bereich stimmt nicht mehr.

Das Bild wird immer weiter bearbeitet, obwohl das eigentliche Problem möglicherweise schon in der Ausgangsinterpretation lag. Gleichzeitig können genau jene feinen Unterschiede verloren gehen, die dem Bild Tiefe geben.

Bei eigenen Vergleichen mit meinen Nikon-Kameras benötigte ich mit einer passenden Ausgangsbasis bei vielen Bildern erstaunlich wenig zusätzliche Bearbeitung. Farben, Licht und räumliche Wirkung lagen näher an dem, was ich von der Situation in Erinnerung hatte.

Looks und Presets

Ein Look kann schön sein und trotzdem nicht zum Moment passen.

Ich lehne Filmlooks und besondere Farbwelten nicht grundsätzlich ab. Manchmal sieht ein Bild sofort interessant aus, weil es an analoges Filmmaterial, einen Kinofilm oder eine bestimmte Epoche erinnert.

Nach längerer Betrachtung kann aber etwas anderes passieren: Man erkennt stärker den Look als den fotografierten Moment. Jeder Sonnenuntergang bekommt ähnliche Farben. Hauttöne sehen bei unterschiedlichen Menschen ähnlich aus. Schatten erhalten unabhängig vom tatsächlichen Licht dieselbe Färbung.

Dann erzählt irgendwann nicht mehr das vorhandene Licht die Geschichte, sondern das Preset. Das kann eine bewusste künstlerische Entscheidung sein. Es ist nur nicht die Art der Fotografie, die ich für meine Arbeit suche.

Natürlich bedeutet nicht unbearbeitet

Ein Mensch soll wie dieser Mensch aussehen.

Natürlichkeit bedeutet für mich nicht, ein Foto möglichst unangetastet zu lassen. Licht darf schöner herausgearbeitet werden. Farben dürfen harmonischer werden. Kontraste dürfen das Auge führen. Auch räumliche Wirkung darf betont werden, wenn sie bereits in der Aufnahme angelegt ist.

Entscheidend ist, ob die Bearbeitung das vorhandene Bild unterstützt – oder ob sie beginnt, es durch etwas anderes zu ersetzen.

Gerade bei Hochzeiten ist das wichtig. Hochzeitsfotos sind nicht nur Bilder für Instagram oder eine Website. Im besten Fall schaut man sie nach vielen Jahren wieder an. Dann möchte ich nicht zuerst erkennen, welcher Bildlook im Jahr der Hochzeit modern war. Ich möchte mich erinnern können, wie dieser Mensch aussah, wie dieses Licht war und wie sich dieser Augenblick angefühlt hat.

Die Wahl des Fotografen

Gefallen mir die Bilder – oder erkenne ich mich darin wieder?

Wer einen Fotografen sucht, schaut verständlicherweise zuerst auf Bilder. Dabei lohnt sich meiner Meinung nach eine weitere Frage: Gefallen mir diese Fotos nur als Bilder – oder könnte ich mir vorstellen, mich selbst darin wiederzuerkennen?

Ein auffälliger Stil kann beeindruckend wirken. Ein ruhigerer und natürlicherer Stil fällt vielleicht zunächst weniger spektakulär auf. Bei persönlichen Bildern kann aber langfristig etwas anderes wichtiger werden: dass zwischen dem Menschen, der Erinnerung und dem Foto noch eine Verbindung besteht.

Die natürliche Farbe bewahrt die Erinnerung an den Moment. Die räumliche Staffelung bewahrt etwas von der Wahrnehmung dieses Moments. Beides zusammen lässt ein Bild nicht nur schön, sondern vertraut wirken.